În 1905, Picasso a creat celebrele sale serii „Acrobați”, „Fata pe minge”, „Familia de acrobați” și alte compoziții ale perioadei „roz”, pline de lirism moale, chiar mai detaliat, aproape de viață decât lucrările anterioare. Ele nu prefigurează acel punct de cotitură în opera artistului, care vine brusc și apare pentru prima dată cu toată ascuțimea sa în marea compoziție „Les Demoiselles d’Avignon”. Acest tablou a fost început în 1906 într-o manieră destul de asemănătoare cu cele precedente: portretul lui Gertrude Stein, „Două femei goale” (ambele pictate în 1906). Dar când a fost terminat, în 1907, nu a mai rămas nimic în el care să semene cu fostul Picasso din perioada „roz”. Cinci figuri feminine goale, înfățișate din unghiuri diferite, umplând aproape întreaga suprafață a pânzei, par să fie cioplite grosier din lemn tare sau piatră. Corpurile sunt extrem de generalizate, chipurile sunt lipsite de expresie. Pliurile draperiei care alcătuiesc fundalul picturii creează un sentiment de decădere și dizarmonie.
fete din Avignon. P. Picasso. 1907
Tabloul Les Demoiselles d'Avignon (New York, Muzeul de Artă Modernă), pe care Picasso a decis să-l expună la doar câțiva ani de la crearea sa, este una dintre cele mai revoluționare lucrări de la începutul secolului al XX-lea. La prima vedere, aceasta este doar o variație a intrigii tradiționale - scăldători pe fundalul unui peisaj. Cu toate acestea, deplasările deliberate ale formelor creează efectul de spațiu autonom. Pânza nu mai este văzută ca o fereastră într-un spațiu iluzoriu. Un tablou nu mai este considerat o imitație a naturii sau orice altceva; de acum înainte este un obiect valoros, independent.
În tabloul Les Demoiselles d'Avignon, imaginea este formată din mai multe fragmente de planuri picturale, care nu sunt prinse rigid, dar sunt în liberă mișcare unele față de altele. Dacă privitorul se uită în colțul din dreapta sus al imaginii, poate detecta cu mare dificultate planurile care delimitează volumele obiectelor și spațiul gol. O astfel de diviziune - unul dintre conceptele fundamentale pentru toate picturile anterioare din Europa de Vest - nu există în această lucrare. Formele distorsionate cu colțuri tăiate și combinația de fragmente din diferite planuri spațiale transmit o senzație de cruditate a materiei primare. În căutarea energiei și puterii primitive, Picasso, așa cum s-a menționat deja, a apelat la motivele sculpturii iberice și ale măștilor africane din lemn sculptat - forme de artă primitivă care la începutul secolului au trezit un mare interes în rândul artiștilor parizieni și iubitorilor de artă.
Conceptul și compoziția picturii Les Demoiselles d'Avignon corespund esteticii cubismului - o mișcare în artă care a fost creată cca. 1909 Picasso și Braque. Prima fază a dezvoltării acestei mișcări (1909-1912) a fost numită „cubism analitic”: obiectele, încă recognoscibile, au fost, parcă, descompuse în formele geometrice abstracte constitutive. Direcția de dezvoltare a cubismului într-un stadiu incipient poate fi ilustrată în mod consecvent de picturile lui Picasso: Seated Woman (1909, Londra, Colecția Penrose), Portretul lui Kahnweiler (1910, New York, colecție privată) și My Beauty (1911, New York, Muzeul de Artă Modernă). Treptat, complotul își pierde sensul; diferența dintre obiecte și spațiul liber dispare, compoziția devine din ce în ce mai fracțională. Contrar credinței populare, obiectivele lui Picasso și Braque nu au fost să descrie un subiect simultan din puncte de vedere diferite. Mai degrabă, ei au căutat să folosească obiectele ca mijloc de a explora noi relații spațiale care ar putea exista doar în interiorul picturii în sine și nu au fost legate de percepția vizuală a lumii reale.
Pictura a făcut o impresie profund deprimantă prietenilor artistului. Unii au considerat-o o păcăleală, alții au început să vorbească despre boala psihică a autorului. J. Braque, care a fost unul dintre primii care a văzut Les Demoiselles d'Avignon, a declarat indignat că Picasso voia să-l oblige să „mânânce câlpă și să bea kerosen”. Potrivit Gertrude Stein, celebrul colectionar rus S.I. Shchukin, un mare fan al picturilor lui Picasso, care a vizitat-o după ce a vizitat atelierul artistului, a exclamat aproape cu lacrimi în ochi: „Ce pierdere pentru pictura franceză!” Familia Marchand, care a cumpărat anterior toate lucrările lui Picasso, a refuzat să cumpere acest tablou, a cărui semnificație în 1907 pare să fi fost înțeleasă doar de două persoane - Guillaume Apollinaire și Daniel Henri Kahnweiler. Această pictură, care a rămas nerecunoscută, marchează începutul unei noi perioade „negro” în opera lui Picasso și o nouă direcție în arta mondială - cubismul.
„Tabloul „Les Demoiselles d'Avignon” nu este în sensul propriu un tablou cubist”, scrie principalul cercetător englez John Golding. - Cubismul este realist... într-un sens este artă clasică. „Fecioarele” dau impresia unei tensiuni extreme... În același timp, această pânză marchează, fără îndoială, un punct de cotitură în opera lui Picasso și, mai mult, începutul unei noi ere în istoria artei. Este punctul de plecare logic în istoria cubismului. O analiză a picturii arată clar că majoritatea problemelor la care Braque și Picasso le-ar lucra mai târziu împreună în procesul de creare a stilului au fost deja puse aici, poate încă stângaci, dar pentru prima dată destul de clar.”
Potrivit lui G. Stein (al cărui portret a fost finalizat de Picasso în toamna anului 1906), artistul, datorită lui Matisse, a făcut cunoștință cu sculptura africană în perioada lucrărilor la „Les Demoiselles d’Avignon”. M. Georges-Michel în cartea „Pictori și sculptori pe care i-am cunoscut” amintește de vizita lui Picasso cu Apollinaire la expoziția de artă neagră de la Muzeul de Etnografie Trocadéro. Potrivit lui Georges-Michel, Picasso „la început s-a distrat frivol, dar apoi a devenit pasional interesat de formele barbare, lipsite de artă”. Se mai poate adăuga că în 1906 Picasso l-a cunoscut pe Derain, care a fost apoi puternic impresionat de sculptura africană pe care a descoperit-o la British Museum.
Poetul și criticul Andre Salmon, care a susținut pe deplin noua direcție în artă, a fost primul care a subliniat legătura dintre creația celebrei picturi și sculptura africană. Salmon scrie că în 1906 Picasso trecea printr-o criză semnificativă. „Zi și noapte lucrează în secret la tablou, încercând să-și întrupeze noile idei în ea. În acest moment, artistul devenise deja interesat de arta neagră, considerând-o mai perfectă decât arta egipteană. Mai mult, a apreciat în mod deosebit caracterul constructiv al acesteia, crezând că imaginile Dahomey sau polineziene transmit extrem de succint esența plastică a subiectului.”
Potrivit lui Cezanne, Picasso era clar conștient de faptul că în sculptura africană era atras de plasticitatea și spontaneitatea fără artă. În acest sens, trebuie menționată și remarca criticului rus Tugendhold în articolul său despre colecția lui S.I. Shchukin. „Când eram în atelierul lui Picasso”, a scris Tugendhold, „am văzut idolii negri din Congo acolo, mi-am amintit cuvintele lui A.N Benois despre... analogia precaută dintre arta lui Picasso și arta religioasă a sălbaticilor africani și l-a întrebat pe artist dacă îl interesează latura mistică a acestor sculpturi... Deloc, mi-a răspuns el, mă interesează simplitatea lor geometrică.”
Simplitatea geometrică a figurilor este tocmai ceea ce atrage în primul rând atenția în „Les Demoiselles d’Avignon”. Mai mult, chipurile celor două figuri din dreapta sunt direct asociate cu măștile rituale africane. Ca design și culoare, aceste capete sunt puternic diferite de celelalte, iar compoziția în ansamblu dă impresia de incomplet. O radiografie a picturii a arătat că ambele figuri, cele mai inovatoare și, în același timp, cele mai „negre”, au fost pictate la început în același mod ca celelalte, dar au fost rescrise în curând. Se crede că au fost reluate după ce artistul a vizitat muzeul etnografic, când a devenit „interesat cu pasiune” de sculptura africană.
„Am făcut jumătate din imagine”, a explicat Picasso, „am simțit că nu este asta!” Am făcut-o altfel. M-am întrebat dacă ar trebui să refac totul. Apoi a spus: nu, vor înțelege ce am vrut să spun.”
1906 a fost decisiv pentru direcția ulterioară a operei sale, în acest moment, Picasso a trecut de la realismul sentimental la realismul plastic. Picasso nu mai este mulțumit de realizările sale anterioare. „Totul este despre sentiment!” – i-a spus unui prieten în 1906 referitor la lucrările sale anterioare. Clarificarea acestui punct (negarea sentimentelor, experiențe ca bază a impulsului creativ) este foarte importantă pentru o înțelegere corectă a sarcinilor care au fost stabilite de pionierii cubismului.
În acest sens, foarte caracteristice sunt cunoscutele aforisme ale lui J. Braque, unul dintre fondatorii acestei mișcări: „Îmi place regula care corectează experiența”, „Se deformează sentimentele, rațiunea formează”, „Emoția nu trebuie transmisă. prin trepidare excitată. Nu este amplificat sau imitat. Este ovarul, lucrarea este o floare înfloritoare.” Aceste formulări au apărut însă mai târziu, când Braque, în strânsă colaborare cu Picasso, mersese deja mult pe o nouă cale. La început, șocat mai mult decât alții de „Les Demoiselles d’Avignon”, el a devenit curând primul reprezentant recunoscut al mișcării, care își datorează numele lucrărilor sale.
Descrierea picturii de Pablo Picasso „Les Demoiselles d’Avignon”
Celebrul artist cubist Pablo Picasso a locuit în Spania, unde s-a născut mai mult de una dintre picturile și sculpturile sale. Una dintre slăbiciunile lui erau fetele de virtute ușoară. Ei au fost cei care au inspirat creația numită „Les Demoiselles d’Avignon”. Lui Pablo îi plăcea să înfățișeze corpuri feminine, în diverse ipostaze și culori, dar cel mai adesea erau femei goale. Ca persoană creativă, Picasso a fost mereu în căutare constantă, în procesul de pictură a schimbat tonurile și obiectele din jur și, în general, a început această pictură cu o imagine a doi bărbați și prostituate.
Unul avea un craniu în mâini ca simbol și personificare a morții, iar fata a reprezentat dragostea platonică ca activitate principală. Ulterior, artistul a scos bărbați din imagine și a lăsat doar câteva prostituate, ale căror picioare erau acoperite cu o perdea. Ce a vrut să spună autorul cu asta? Poate că s-a hotărât să introducă măcar ceva intrigi și mister în imagine și să nu afișeze întreaga idee deodată? Pentru a se asigura că intriga avea un model armonios, a adăugat mai multe fructe la compoziția generală.
Cu pictura sa, artistul a provocat societatea de atunci, un anumit mesaj psihologic. Aruncând o privire mai atentă la femeile descrise, puteți vedea cum formele lor au contururi ascuțite, nu există tranziții netede sau îndoituri. Abordarea sa față de acest tip de reprezentare a corpurilor a fost ceva nou și necunoscut, care a devenit ulterior stilul propriu al artistului.
Pablo Picasso a lucrat mult timp la tablou, pas cu pas. Mai întâi, a înfățișat femeile care se aflau în centru, apoi a completat detaliile. Nasurile doamnelor atrag o atenție deosebită în imagine. Ele par disproporționat de mari în comparație cu alte părți ale corpului. Autorul a descris, de asemenea, fețele femeilor cu lovituri unghiulare ascuțite, care au dat naștere unei noi direcții - cubismul.
Pablo Picasso „Les Demoiselles d'Avignon” (1907).
Pânză, ulei. 243,9 x 233,7 cm
Muzeul de Artă Modernă, New York
Acest tablou, pictat de Pablo Picasso în 1907 și care a devenit o etapă semnificativă în calea creativă personală a artistului, a determinat în mare măsură soarta artei plastice în general. În ciuda faptului că pictura a văzut pentru prima dată lumina la doar treizeci de ani după ce a fost scrisă, ea a apărut lumii ca o ușă deschisă către avangardă. Până la urmă, primii spectatori ai „Les Demoiselles” au fost artiști care au fost contemporani ai lui Picasso: J. Braque, A. Derain, A. Matisse... Acesta din urmă a vorbit extrem de critic despre pânză, iar în această „judecată” un profund personal. se vede motivul. Pare rezonabil să presupunem că francezul ambițios, răsfățat de recunoașterea publică, era pur și simplu gelos pe tablou, văzând în „Fecioarele” și nu în „Dansul” său cheia dezvoltării ulterioare a picturii.
Boemia pariziană a fost împărțită în două „tabere”, dintre care una era „pentru” „Slujitoare”, cealaltă „împotrivă”. Georges Braque, de exemplu, aparținea „dreaptei”. Devenit unul dintre „fondatorii” cubismului, împreună cu Picasso a trecut prin etapa „analitică”. Brak și-a scris nudul, inspirat de „Maids”. Dar celebrul spaniol a avut și propriul „mentor” creativ. Paul Cézanne a anticipat în mare măsură abordarea analitică a lui Picasso, introducând principiul geometric al interpretării formei în pictură.
Vorbind despre „Les Demoiselles d'Avignon” de Picasso, nu se poate să nu amintesc de „Bathers” a lui Cezanne. Și aceasta nu este singura condiție prealabilă. Canonul artei plastice iberice, o ramură a artei arhaice populare printre artiștii din acea vreme, care a stat la baza „perioadei africane” a lui Picasso, a fost întruchipat în această pictură. Terminând etapa creativă mai sus menționată a artistului, „Les Demoiselles d’Avignon” „proclamă” următoarea. Mâna care împinge cortina în spate are o dublă semnificație: dezvăluirea spațiului cubismului privitorului, mărturisește teatralitatea a ceea ce se întâmplă pe pânză. Pictura și teatrul - două dintre hobby-urile lui Picasso - se întâlnesc în această imagine.
Îmi amintesc că a existat deja o conversație despre Pablo Picasso, dacă amintirea este corectă despre „Guernica”. Ei bine, cred că nu ar fi înțelept să ignorăm o altă dintre numeroasele capodopere ale marelui artist spaniol, „Les Demoiselles d’Avignon”, mai ales că a fost începutul cubismului, așa cum se crede în general în istoria artei moderne.
Pablo Picasso
Fecioarele din Avignon (Les Demoiselle d "Avignon) - 1907
Pânză, ulei. 243.9\233.7
Muzeul de Artă Modernă, New York.
„Les Demoiselles d'Avignon” este primul tablou din perioada cubică a lui Picasso, pictat în 1907. Inspirația pentru acest tablou ar fi putut fi pictura „Bathers” a lui Paul Cézanne, precum și expoziția de sculptură iberică organizată la Paris în 1906. Titlul original al picturii a fost „The Philosophical Bordel”; titlul final „Les Demoiselles d’Avignon” a fost dat de scriitorul Andre Salmon, un prieten al artistului.
Tabloul este inspirat de un bordel din cartierul Calle d'Avignon din Barcelona. Tabloul înfățișează cinci femei nud pictate în moduri diferite. Cele două figuri drepte cu chipuri care amintesc de măști sunt începutul unei noi mișcări în pictură, cubismul. Femeile sunt pictate în tonuri de roz și ocru, fundalul este în tonuri de albastru, se poate urmări influența perioadelor „roz” și „albastru” ale operei lui Picasso.
Pictura a provocat mult zgomot în rândul artiștilor parizieni. Impresionat de pictură, Georges Braque și-a scris „Nudul” influența acestui tablou poate fi văzută și în lucrările lui Andre Derain și Robert Delaunay.
În 1920, pictura a fost achiziționată de colecționarul Jacques Doucet; Tabloul a fost expus pentru prima dată în 1937.
Îi mulțumesc viteazului luptător împotriva ignoranței http://ru.wikipedia.org/
Fetele din Avignon.
În 1905, Picasso a creat celebrele sale serii „Acrobați”, „Fata pe minge”, „Familia de acrobați” și alte compoziții ale perioadei „roz”, pline de lirism moale, chiar mai detaliat, aproape de viață, decât lucrările anterioare. . Ele nu prefigurează acel punct de cotitură în opera artistului, care vine brusc și apare pentru prima dată cu toată ascuțimea sa în marea compoziție „Les Demoiselles d’Avignon”. Acest tablou a fost început în 1906 într-o manieră destul de asemănătoare cu cele precedente: portretul lui Gertrude Stein, Două femei goale (ambele pictate în 1906). Dar când a fost terminat, în 1907, nu a mai rămas nimic în el care să semene cu fostul Picasso din perioada „roz”. Cinci figuri feminine goale, înfățișate din unghiuri diferite, umplând aproape întreaga suprafață a pânzei, par să fie cioplite grosier din lemn tare sau piatră. Corpurile sunt extrem de generalizate, chipurile sunt lipsite de expresie. Pliurile draperiei care alcătuiesc fundalul picturii creează un sentiment de decădere și dizarmonie.
fete din Avignon. P. Picasso. 1907
Tabloul Les Demoiselles d'Avignon (New York, Muzeul de Artă Modernă), pe care Picasso a decis să-l expună la numai mulți ani de la crearea sa, este una dintre cele mai revoluționare lucrări de la începutul secolului XX. La prima vedere, aceasta este doar o variație a intrigii tradiționale - scăldători pe fundalul unui peisaj. Cu toate acestea, deplasările deliberate ale formelor creează efectul de spațiu autonom. Pânza nu mai este văzută ca o fereastră într-un spațiu iluzoriu. Un tablou nu mai este considerat o imitație a naturii sau orice altceva; de acum înainte este un obiect valoros, independent.
În tabloul Les Demoiselles d'Avignon, imaginea este formată din mai multe fragmente de planuri picturale, care nu sunt prinse rigid, dar sunt în liberă mișcare unele față de altele. Dacă privitorul se uită în colțul din dreapta sus al imaginii, poate detecta cu mare dificultate planurile care delimitează volumele obiectelor și spațiul gol. O astfel de diviziune - unul dintre conceptele fundamentale pentru toate picturile anterioare din Europa de Vest - nu există în această lucrare. Formele distorsionate cu colțuri tăiate și combinația de fragmente din diferite planuri spațiale transmit o senzație de cruditate a materiei primare. În căutarea energiei și puterii primitive, Picasso, așa cum s-a menționat deja, a apelat la motivele sculpturii iberice și ale măștilor africane din lemn sculptat - forme de artă primitivă care la începutul secolului au trezit un mare interes în rândul artiștilor parizieni și iubitorilor de artă.
Conceptul și compoziția picturii Les Demoiselles d'Avignon corespund esteticii cubismului - o mișcare în artă care a fost creată cca. 1909 Picasso și Braque. Prima fază a dezvoltării acestei mișcări (1909-1912) a fost numită „cubism analitic”: obiectele, încă recognoscibile, au fost, parcă, descompuse în formele geometrice abstracte constitutive. Direcția de dezvoltare a cubismului într-un stadiu incipient poate fi ilustrată în mod constant de picturile lui Picasso: Femeia așezată (1909, Londra, Colecția Penrose), Portretul lui Kahnweiler (1910, New York, colecție privată) și Frumusețea mea (1911, New York, Muzeul de Artă Modernă). Treptat, complotul își pierde sensul; diferența dintre obiecte și spațiul liber dispare, compoziția devine din ce în ce mai fracțională. Contrar credinței populare, obiectivele lui Picasso și Braque nu au fost să descrie un subiect simultan din puncte de vedere diferite. Mai degrabă, ei au căutat să folosească obiectele ca mijloc de a explora noi relații spațiale care ar putea exista doar în interiorul picturii în sine și nu au fost legate de percepția vizuală a lumii reale.
Pictura a făcut o impresie profund deprimantă prietenilor artistului. Unii au considerat-o o păcăleală, alții au început să vorbească despre boala psihică a autorului. J. Braque, care a fost unul dintre primii care a văzut Les Demoiselles d'Avignon, a declarat indignat că Picasso voia să-l oblige să „mânânce câlpă și să bea kerosen”. Potrivit Gertrude Stein, celebrul colectionar rus S.I. Shchukin, un mare fan al picturilor lui Picasso, care a vizitat-o după ce a vizitat atelierul artistului, a exclamat aproape cu lacrimi în ochi: „Ce pierdere pentru pictura franceză!” Familia Marchand, care a cumpărat anterior toate lucrările lui Picasso, a refuzat să cumpere acest tablou, a cărui semnificație în 1907 pare să fi fost înțeleasă doar de două persoane - Guillaume Apollinaire și Daniel Henri Kahnweiler. Această pictură, care a rămas nerecunoscută, marchează începutul unei noi perioade „negro” în opera lui Picasso și o nouă direcție în arta mondială - cubismul.
„Tabloul „Les Demoiselles d’Avignon” nu este în sensul propriu un tablou cubist”, scrie principalul cercetător englez John Golding. – Cubismul este realist... într-un sens este artă clasică. „Fecioarele” dau impresia unei tensiuni extreme... În același timp, această pânză marchează, fără îndoială, un punct de cotitură în opera lui Picasso și, mai mult, începutul unei noi ere în istoria artei. Este punctul de plecare logic în istoria cubismului. Analiza picturii arată clar că majoritatea problemelor la care Braque și Picasso le-ar lucra mai târziu împreună în procesul de creare a stilului au fost deja puse aici, poate încă stângaci, dar pentru prima dată destul de clar.”
Potrivit lui G. Stein (al cărui portret a fost finalizat de Picasso în toamna anului 1906), artistul, datorită lui Matisse, a făcut cunoștință cu sculptura africană în perioada lucrărilor la „Les Demoiselles d’Avignon”. M. Georges-Michel, în cartea „Pictori și sculptori pe care i-am cunoscut”, amintește de vizita lui Picasso cu Apollinaire la expoziția de artă neagră de la Muzeul de Etnografie Trocadéro. Potrivit lui Georges-Michel, Picasso „a fost la început amuzat frivol, dar apoi a devenit pasional interesat de formele barbare, lipsite de artă”. Se mai poate adăuga că în 1906 Picasso l-a cunoscut pe Derain, care a fost apoi puternic impresionat de sculptura africană pe care a descoperit-o la British Museum.
Poetul și criticul Andre Salmon, care a susținut pe deplin noua direcție în artă, a fost primul care a subliniat legătura dintre creația celebrei picturi și sculptura africană. Salmon scrie că în 1906 Picasso trecea printr-o criză semnificativă. „Zi și noapte lucrează în secret la tablou, încercând să-și întrupeze noile idei în ea. În acest moment, artistul devenise deja interesat de arta neagră, considerând-o mai perfectă decât arta egipteană. Mai mult, a apreciat în mod deosebit caracterul constructiv al acesteia, crezând că imaginile Dahomey sau polineziene transmit extrem de succint esența plastică a subiectului.”
Potrivit lui Cezanne, Picasso era clar conștient de faptul că în sculptura africană era atras de plasticitatea și spontaneitatea fără artă. În acest sens, merită menționată și remarca criticului rus Tugendhold într-un articol despre colecție
S. I. Shchukina. „Când eram în atelierul lui Picasso”, a scris Tugendhold, „am văzut idolii negri din Congo acolo, mi-am amintit cuvintele lui A. N. Benois despre... analogia precaută dintre arta lui Picasso și arta religioasă a sălbaticilor africani și l-a întrebat pe artist dacă îl interesează latura mistică a acestor sculpturi... Deloc, mi-a răspuns el, mă interesează simplitatea lor geometrică.”
Simplitatea geometrică a figurilor este tocmai ceea ce atrage în primul rând atenția în Les Demoiselles d'Avignon. Mai mult, chipurile celor două figuri din dreapta sunt direct asociate cu măștile rituale africane. Ca design și culoare, aceste capete sunt puternic diferite de celelalte, iar compoziția în ansamblu dă impresia de incomplet. O radiografie a picturii a arătat că ambele figuri, cele mai inovatoare și, în același timp, cele mai „negre”, au fost pictate la început în același mod ca celelalte, dar au fost rescrise în curând. Se crede că au fost reluate după ce artistul a vizitat un muzeu etnografic, când a devenit „interesat cu pasiune” de sculptura africană.
„Am făcut jumătate din imagine”, a explicat Picasso, „am simțit că nu este asta!” Am făcut-o altfel. M-am întrebat dacă ar trebui să refac totul. Apoi a spus: nu, vor înțelege ce am vrut să spun.”
1906 a fost decisiv pentru direcția ulterioară a operei sale, în acest moment, Picasso a trecut de la realismul sentimental la realismul plastic. Picasso nu mai este mulțumit de realizările sale anterioare. „Totul este din sentiment!” – i-a spus unui prieten în 1906 referitor la lucrările sale anterioare. Clarificarea acestui punct (negarea sentimentelor, experiențe ca bază a impulsului creativ) este foarte importantă pentru o înțelegere corectă a sarcinilor care au fost stabilite de pionierii cubismului.
În acest sens, foarte caracteristice sunt cunoscutele aforisme ale lui J. Braque, unul dintre fondatorii acestei mișcări: „Îmi place regula care corectează experiența”, „Se deformează sentimentele, rațiunea formează”, „Emoția nu trebuie transmisă. prin trepidare excitată. Nu este amplificat sau imitat. Este ovarul, lucrarea este o floare înfloritoare.” Aceste formulări au apărut însă mai târziu, când Braque, în strânsă colaborare cu Picasso, mersese deja mult pe o nouă cale. La început, șocat mai mult decât alții de „Les Demoiselles d’Avignon”, el a devenit curând primul reprezentant recunoscut al mișcării, care își datorează numele lucrărilor sale.
28 noiembrie 2012
„Un lucru este să vezi și cu totul altceva să scrii” Picasso
fete din Avignon
1907; 243,9x233,7 cm
Muzeul de Artă Modernă, New York
„Cum îmi pune pe nervi acest nume! - a recunoscut Picasso unuia dintre prietenii săi când conversația s-a îndreptat către Les Demoiselles d'Avignon. - Somon a venit cu asta. La urma urmei, știți că filmul se numea inițial „Brotel din Avignon”. De ce? Pentru că am locuit cândva la o aruncătură de băţ de Carrer d'Avingo(cartierul bordelului din Barcelona) Acolo, destul de ciudat, am găsit singurul magazin care vinde hârtie și acuarele la un preț mic. (...) La început am plănuit să scriu și bărbați - clienți ai acestor unități. Ați văzut schițele: un student care ține un craniu în mână; marinar; iar femeile mâncau ceva – de aici coșul cu fructe. Dar apoi am schimbat totul”.
Când a creat imagini ale artiștilor de circ din perioada „roz”, Picasso a fost influențat de opera lui Edouard Manet. De data aceasta, sursele de inspirație pentru el au fost ciclul „Bathers” de Cezanne, „Bucuria de a fi” de Matisse și, bineînțeles, „The Turkish Bath” de Ingres, ale căror copii de Picasso se numără în zeci. Derain și Matisse l-au „infectat” pe Picasso cu măști africane.
După cum a spus Gertrude Stein, „Au simțit în ei un impuls de a face ceva, dar nu au putut înțelege ce.” Picasso s-a dovedit a fi mai priceput. Liniile alungite extraordinare, proporțiile distorsionate, ritmul conținut în ele, pulsul vieții, melodiile de foc - toate acestea l-au inspirat pe artist să creeze „Les Demoiselles d’Avignon”, cu care a intrat în artă o nouă direcție, numită „cubism”.
În poza prezentată aici sunt declarate toate normele stilistice ale acestei direcții. Fețele a cinci femei goale seamănă cu aceleași măști africane, par a fi rupte în fragmente separate, proporțiile corpului lor sunt distorsionate. Pânza este complet lipsită de perspectiva clasică general acceptată și este considerată primul exemplu de artă „modernă”...
Picasso a știut să fie prieteni și să împărtășească descoperirile sale creative cu prietenii săi. În 1907, Apollinaire l-a adus pe artistul Georges Braque în atelierul lui Picasso. Căsătoria a fost zguduită de „Maids”. Ulterior, între el și Picasso a început o prietenie, au început să colaboreze și au simțit impulsurile creative ale celuilalt atât de subtil și precis încât lucrările lor erau adesea aproape de nediferențit. Artiștii au râs adesea când au descoperit uimitoarea similitudine a lucrărilor lor și chiar au pus aceleași semnături pe pânze.
În istoria dezvoltării picturii se nasc periodic noi direcții. Ceea ce face ca acest lucru să se întâmple rămâne un mister până astăzi. Secretul creativității nu a fost dezvăluit în niciun domeniu al artei.
Ideile despre frumusețe se schimbă, regulile pentru reprezentarea ei se schimbă, dar singurul lucru care rămâne neschimbat este dorința de a perpetua frumusețea în toate manifestările ei.
Tabloul „Les Demoiselles d'Avignon” înfățișează 5 femei goale din Rue Avignon din Barcelona.
Această stradă este în primul rând interesantă pentru că la sfârșitul secolului al XIX-lea, aproape fiecare casă de aici avea un bordel. Inițial, pictura a fost numită „Bordelul filosofic”.
Aici, după recunoașterea propriului pictor, și-a pierdut virginitatea la vârsta de 14 ani, iar prostituatele de pe strada Avigno au fost adesea subiectul schițelor sale.
Odată cu pictura lui Picasso „Les Demoiselles d'Avignon” a început o nouă direcție în pictură - cubismul. Cubismul în pictură nu este doar o imagine a unui obiect, este o imagine a unui obiect care este distrus mental și recreat în mintea artistului.
Se pare că impresiile primite pe această stradă au fost atât de puternice încât au ocupat mult timp gândurile lui Picasso, iar rezultatul au fost figurile feminine rupte pictate la Paris în 1907 (la 13 ani de la prima vizită la preotesele dragostei).
Fetele pe care obișnuia să le idolatrizează sunt înfățișate cu măști urâte în loc de fețe. Astfel, se reflectă destinele nefericite și tragice ale „preoteselor iubirii”. Corpurile lor se dezintegrează în forme geometrice care nu pot fi repuse împreună.
Ofertă grozavă din magazinul online BigArtShop: cumpără un tablou cu Les Demoiselles d'Avignon a artistului Pablo Picasso pe pânză naturală la rezoluție înaltă, încadrat într-un cadru stilat de baghetă, la un preț ATRACTIVO.
Pictura de Pablo Picasso Les Demoiselles d'Avignon: descrierea, biografia artistului, recenziile clienților, alte lucrări ale autorului. Catalog mare de picturi de Pablo Picasso pe site-ul magazinului online BigArtShop.
Magazinul online BigArtShop prezintă un catalog amplu de picturi ale artistului Pablo Picasso. Puteți alege și cumpăra reproducțiile preferate ale picturilor Pablo Picasso pe pânză naturală.
Pablo Ruiz Picasso este cunoscut ca inventatorul unor noi forme de pictură, autorul unor noi stiluri și metode, a creat peste 20.000 de opere de artă.
Primele sale picturi le-a pictat la 10 ani, iar la 15 ani a intrat la Școala de Arte Frumoase din Barcelona.
În 1904, la vârsta de 23 de ani, s-a stabilit la Paris. Dezvoltarea personalității sale ca artist a fost puternic influențată de lucrările lui Degas și Toulouse-Lautrec.
În lucrările sale timpurii, opera sa a fost dominată de nuanțe de albastru și albastru. Această perioadă se numește „albastru”. A pictat orbi, cerșetori, alcoolici și prostituate.
Din 1905, același cerc de imagini capătă o culoare diferită. E ca și cum o rază de speranță pătrunde în sufletele personajelor sale cu adaos de roz. A urmat o perioadă „roz” a muncii sale.
În 1907-1914, Picasso a acordat atenție transformării formelor în blocuri geometrice. Picasso a folosit tehnici cubice până în 1923.
În 1925, în opera sa a apărut lumea halucinațiilor. Timp de câțiva ani, imaginația lui Picasso nu a putut decât să creeze monștri, creaturi rupte în bucăți.
Vitalitatea lui Picasso a fost exprimată în sculptură între 1930 și 1934. A creat numeroase figuri în spiritul suprarealismului. Cea mai faimoasă operă a acestei perioade este pictura „Guernica”, pictată de frica războiului și a fascismului după distrugerea unui mic oraș basc de către avioanele germane. Această poză a marcat începutul activității sale politice.
Picasso a rămas la Paris în timpul ocupației germane din 1940 până în 1944. La sfârșitul anului 1944, Picasso s-a alăturat Partidului Comunist. O manifestare eficientă a convingerilor politice ale artistului a fost întruchipată în porumbelul reprezentat pe afișul Congresului Mondial de Pace de la Paris.
În opera de după război a lui Picasso, tema familiei atrage atenția. A devenit apropiat de Françoise Gilot, ea i-a născut doi copii, au plecat în sudul Franței și au locuit până în 1948 la Vallauris, apoi la Cannes.
Bucuria vieții este evidentă în litografii, afișe, gravuri în lemn, linogravuri, ceramică și sculptură. În Vallauris, Picasso a lucrat într-o fabrică, devenind interesat de meșteșuguri și muncă manuală. El a creat personal farfurii decorative, ulcioare antropomorfe și figurine sub formă de animale. Unele dintre ele sunt realizate din materiale aleatorii și sunt capodopere ale tehnicii de asamblare.
În 1953, Gilot și Picasso s-au separat. Picasso trece printr-o criză morală gravă. Dar un an mai târziu o întâlnește pe Jacqueline Rock, iar în 1958 ea îi devine soție și îl inspiră să creeze o serie de portrete minunate. Picasso cumpără castelul Vauvenargues.
Din 1961, Picasso s-a retras la vila sa din Notre-Dame-de-vie din Mougins.
Lucrările artistului din ultimii 15 ani de viață sunt foarte diverse.
Picasso a murit în 1973.
Textura pânzei, vopselele de înaltă calitate și imprimarea în format mare permit reproducțiilor noastre ale lui Pablo Picasso să fie la fel de bune ca și originalul. Pânza va fi întinsă pe o targă specială, după care tabloul poate fi înrămat în bagheta la alegere.
